La Fondazione Palazzo Strozzi offre nel corso dell’anno un ricco programma di mostre di alta qualità e di livello internazionale, eventi culturali, installazioni di arte contemporanea, conferenze, concerti e spettacoli.

All’interno della cornice di uno dei capolavori dell’architettura rinascimentale fiorentina, il Piano Nobile ospita ogni anno due grandi mostre dedicate a tematiche o ad artisti di primo piano, spaziando dal Rinascimento all’epoca moderna, mentre il Centro di Cultura Contemporanea Strozzina (CCCS) accoglie progetti espositivi tematici che indagano aspetti diversi dell’arte e della cultura contemporanee.

I programmi e gli eventi collaterali che corredano ogni mostra, rendono Palazzo Strozzi un’esperienza unica che coinvolge tutti i visitatori e specialmente i giovani, le famiglie e i bambini, a cui viene rivolta una particolare attenzione con apposite didascalie, informazioni video nel cortile, laboratori didattici, attività interattive, percorsi di visita con spazi relax. 

Palazzo Strozzi è inoltre aperto tutto l’anno con un’esposizione permanente sulla storia del Palazzo e della famiglia Strozzi, un elegante caffè, l’art store Mandragora Agora|z, comode panchine nel cortile.

Crediti

Foto gallery "Non solo esposizioni"

Immagini © Fondazione Palazzo Strozzi, Firenze
Foto: James O'Mara/O'Mara & Mc Bride

Foto gallery "Pontormo e Rosso Fiorentino"
Immagini © Fondazione Palazzo Strozzi, Firenze
Foto: James O'Mara/O'Mara & Mc Bride, Martino Margheri

Foto gallery "Family Matters"
Immagini © CCC Strozzina, Fondazione Palazzo Strozzi, Firenze
Foto: Martino Margheri

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Il Centro di Cultura Contemporanea Strozzina è lo spazio dedicato all’arte e alla cultura contemporanea nel cuore della città di Firenze. 

All’interno dei suoi spazi di quasi 1000 mq nelle antiche cantine di Palazzo Strozzi, costituisce un centro di produzione e di esposizione delle più aggiornate ricerche artistiche contemporanee italiane e internazionali, attraverso un programma di mostre ed attività che investigano temi e problematiche del mondo contemporaneo secondo un’originale impostazione interdisciplinare.

Dalla sua apertura, il CCC Strozzina ha ospitato opere di artisti del calibro di Richter, Hirst, Bacon, Cindy Sherman, Thomas Demand, Nan Goldin.

I loro lavori sono stati affiancati a quelli di artisti più giovani o meno conosciuti al grande pubblico, sempre ricercando un dialogo tra nuovi spunti di riflessione sulla base delle diverse tematiche trattate. 

Collocare l’arte contemporanea in una cornice architettonica come quella di Palazzo Strozzi si pone inoltre come una sfida e uno stimolo per porre in dialogo passato, presente e futuro, sempre sollecitando una fruizione attiva da parte del pubblico chiamato a partecipare a cicli di conferenze tenute da esperti di diversi discipline, a incontri con artisti e a un ampio programma didattico dedicato alle scuole e agli adulti.

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Organizzata da: Fondazione Palazzo Strozzi in collaborazione con l'Arcidiocesi di Firenze e con il sostegno di Banca CR Firenze

A cura di: Lucia Mannini, Anna Mazzanti, Ludovica Sebregondi, Carlo Sisi

Dal 24 settembre 2015 al 24 gennaio 2016 Palazzo Strozzi a Firenze ospita Bellezza divina tra Van Gogh, Chagall e Fontana, un’eccezionale mostra dedicata alla riflessione sul rapporto tra arte e sacro tra metà Ottocento e metà Novecento attraverso oltre cento opere di celebri artisti italiani, tra cui Domenico Morelli, Gaetano Previati, Felice Casorati, Gino Severini, Renato Guttuso, Lucio Fontana, Emilio Vedova, e internazionali come Vincent van Gogh, Jean-François Millet, Edvard Munch, Pablo Picasso, Max Ernst, Stanley Spencer, Georges Rouault, Henri Matisse.

Dalla pittura realista di Morelli all’informale di Vedova, dal Divisionismo di Previati al Simbolismo di Redon, fino all’Espressionismo di Munch o alle sperimentazioni del Futurismo, la mostra analizza e contestualizza un secolo di arte sacra moderna, sottolineando attualizzazioni, tendenze diverse e talvolta conflitti nel rapporto fra arte e sentimento del sacro.

Grandi protagoniste della mostra sono celebri opere come l’Angelus di Jean-François Millet, eccezionale prestito dal Musée d’Orsay di Parigi, la Pietà di Vincent van Gogh dei Musei Vaticani, la Crocifissione di Renato Guttuso delle collezioni della Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, la Crocifissione bianca di Marc Chagall, proveniente dall’Art Institute di Chicago. Attraverso sezioni dedicate ai temi centrali della riflessione religiosa e artistica, Bellezza divina costituisce un’occasione straordinaria per confrontare opere celeberrime studiate da un punto di vista inedito, presentate accanto ad altre di artisti oggi meno noti ma il cui lavoro ha contribuito a determinare il ricco e complesso panorama dell’arte moderna, non solo sacra.

L’esposizione nasce da una collaborazione della Fondazione Palazzo Strozzi con l’Arcidiocesi di Firenze, l’Ex Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Firenze e i Musei Vaticani e si inserisce nell’ambito delle manifestazioni organizzate in occasione del V Convegno Ecclesiale Nazionale, che si tiene a Firenze tra il 9 e il 13 novembre 2015 con la presenza anche di papa Francesco.

Vincent van Gogh, Pietà (dettaglio), 1889 circa, Musei Vaticani

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Curated by Carlo Falciani and Antonio Natali

L’esposizione è dedicata all’opera del Piontormo e del Rosso Fiorentino, i pittori più anticonformisti e spregiudicati fra i protagonisti del nuovo modo di intendere l’arte in quella stagione del Cinquecento italiano che Giorgio Vasari chiama ‘maniera moderna’.

Pontormo e Rosso Fiorentino, si formano con Andrea del Sarto pur mantenendo entrambi una forte indipendenza e una grande libertà espressiva: uno, Pontormo, fu pittore sempre preferito dai Medici e aperto alla varietà linguistica e al rinnovamento degli schemi compositivi della tradizione, l’altro, il Rosso, fu invece legatissimo alla tradizione pur con aneliti di spregiudicatezza e di originalità, influenzato anche dalla letteratura cabalistica e dall’esoterismo.

Un evento irripetibile, unico, che vede riuniti per la prima volta i capolavori dei due artisti, provenienti dall’Italia e dall’estero, molti dei quali restaurati per l’occasione.

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Organizzato da Fondazione Palazzo Strozzi, J. Paul Getty Museum and National Gallery of Art, Washington con il contributo della Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana.

A cura di Jens Daehner and Kenneth Lapatin

La mostra illustra, attraverso l’esposizione di 50 eccezionali esempi di sculture bronzee di grandi dimensioni, lo sviluppo dell’arte nell’Età Ellenistica, diffusa dalla Grecia in tutto il Mediterraneo fra il IV ed il I secolo a.C.

L’utilizzo del bronzo, grazie alle sue qualità specifiche, permise di raggiungere livelli inediti di dinamismo nelle statue a figura intera e di naturalismo nei ritratti, in cui l’espressione psicologica divenne un marchio stilistico.

Grazie alla collaborazione con il J. Paul Getty Museum e alla National Gallery of Art di Washington, la mostra vede riuniti reperti provenienti dai più importanti musei archeologici internazionali: le statue monumentali di divinità, atleti e condottieri, saranno affiancate ai ritratti dei personaggi di potere, insieme a sculture di marmo e di pietra, scelte per il loro rapporto mimetico col bronzo.

Immagine: Arte Ellenistica, Minerva di Arezzo, fine IV-inzi III a.C., Firenze, Museo Archeologico Nazionale

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Organizzato da Fondazione Palazzo Strozzi e Museo Nacional Reina Sofia
A cura di Eugenio Carmona

Uno e molti Picasso. Uno e molti modernismi. Una e molte esperienze della modernità e della diversità della cultura spagnola. Nella mente di tutti noi Picasso appare come il principale riferimento dell’arte occidentale moderna. Ma questo Picasso ha sempre convissuto con un altro Picasso che è divenuto specchio delle trasformazioni della propria eredità culturale spagnola. Trasformazione che, a sua volta, ha cambiato anche il corso dello sviluppo artistico internazionale. Picasso dialoga con Juan Gris, Miró, Dalí, Antoni Tàpies e tanti altri. Non facendosi rinchiudere negli “ismi”, o in approcci convenzionali, la mostra vuole presentare Picasso nell’aspetto sostanziale della sua influenza sull’arte spagnola: l’arte che riflette sull’arte, il suo incontro con l’“arte pura”, l’emergere del mostro dal volto umano, l’impegno dell’artista nella tragedia storica e la metafora del desiderio erotico come fonte privilegiata di creazione e visione del mondo.

Immagine: Pablo Picasso, Il pittore e la modella, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, © Succession Picasso, by SIAE 2013

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A cura di Franziska Nori e Riccardo Lami

Artisti: Guy Ben-Ner, Sophie Calle, Jim Campbell, John Clang, Nan Goldin, Courtney Kessel, Ottonella Mocellin+Nicola Pellegrini, Trish Morrissey, Hans Op de Beeck, Chrischa Oswald, Thomas Struth

Fotografie, video e installazioni di undici artisti contemporanei internazionali propongono diversi modi di vivere e ritrarre la famiglia, portando a riflettere su immagini e dinamiche che caratterizzano la vita di ogni persona, i suoi rapporti con gli altri, il proprio passato e il proprio presente.

La riflessione della mostra è dedicata a due fronti principali, da una parte l’analisi di quelle dinamiche che caratterizzano una famiglia, dall’altra una ricognizione sull’immagine della famiglia e su ciò che si nasconde dietro di essa. Parlare di famiglia significa affrontare un tema di cui ogni individuo ha una propria esperienza personale e unica fatta di relazioni e vincoli, vicinanze e separazioni, un tema controverso e dibattuto, fortemente privato e intimo ma anche fondamento della vita sociale.

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